Учебники

Главная страница


Банковское дело
Государственное управление
Культурология
Журналистика
Международная экономика
Менеджмент
Туризм
Философия
История экономики
Этика и эстетика


10.3.2. Абстрактное искусство и основные течения современного западного искусства

  Латинское слово «abstraho» означало оттаскивать, отвлекать, отделять, отрывать. До некоторой степени абстрактно всё искусство, потому что оно произведено из воспринятой чувствами реальности — как бы отделено от неё, отвлечено. В скульптуре архаичной Греции, Египта, древних и современных примитивных племен используются упрощенные, часто геометризированные формы. В современном искусстве (модерне) термин «абстрактное искусство» обозначает живопись и скульптуру, имеющие целью передавать непосредственно «духовные сущности», а не представлять реальные или узнаваемые объекты (предметы). Абстрактные произведения призваны возбуждать свободные ассоциации, стимулировать эмоции, спонтанное движение мысли, не направляемое каким-либо конкретным узнаваемым предметом. Иначе говоря, «абстрактное искусство» претендует чисто изобразительными средствами выражать внутреннюю жизнь человека, душевные движения и состояния психики.
  Начала абстрактного искусства связаны с концепциями «искусства для искусства». Многие абстракционисты утверждают, что музыка есть универсальный абстрактный язык. Поэтому первые абстрактные произведения живописи тесно связаны с музыкой, даже объявлены изображениями музыки. Такова, например, первая сознательно абстрактная акварель Василия Кандинского (1910 г.) — композиция из вращающихся, взаимодействующих цветных пятен. В 1911-12 гг. чешский художник Франтишек Купка написал полотно, которое часто считают первой полностью абстрактной картиной, «Фугу в красном и синем», где ритмичные цветовые сочетания непосредственно вдохновлены музыкальными соответствиями. Центральной идеей в «орфизме» Роберта Делоне и Фрэнсиса Пикабиа (начал развиваться в 1912 г.) был цвет как таковой, цвет как форма и предмет.
  Чистую абстракцию стали первыми использовать русские художники. Они с 1913 года начали расширять философские и геометрические элементы кубизма и развивали абстракцию, полностью отделённую от внешней реальности. Такая абстракция была призвана передавать реальность «четвертого измерения» (внутренней жизни). Именно в этом направлении экспериментировали Наталия Гончарова и Михаил Ларионов («лучизм», 1911-1912 гг.), Наум Габо, Антон Певзнер и Владимир Татлин (конструктивизм), Казимир Малевич (супрематизм). Принципы, установленные этими художниками, легли в основу всего последующего развития абстрактного искусства от Баухауза (1920- 1930-е гг.) к структурам минимального искусства 1960-х.
  На западе лидерами абстрактного искусства стали Пит Мондриан и художники группы «Стиль» (Тео Ван Дуисбург, Барт ван дер Лекк и др.), возникшего в Нидерландах около 1917. Мондриан пытался ограничиться использованием трёх основных цветов (красного, желтого и синего) и прямого угла.
  Попытки выразить изобразительными средствами универсальные структуры и ритмы внутренней действительности, продолжаются в творчестве ряда живописцев, скульпторов и архитекторов вплоть до сегодняшнего дня. Такова главная претензия абстрактного искусства, сформированная его основателями. Не лишены основания утверждения, что уход в абстракции является бегством от кошмаров действительной жизни, которых в ХХ веке (да и ранее) было более чем достаточно.
  После начала второй мировой войны многие авангардные австрийские, немецкие и итальянские художники, включая Андре Бретона, Марка Шагала, Макса Эрнста, Фернана Леже, Андре Массона, Пита Мондриана и Сальватора Дали, эмигрировали в Соединенные Штаты Америки. В Нью-Йорке состоялись выставки европейского искусства, в том числе «Кубизм и абстрактное искусство» (1936) и «Фантастическое искусство, дадаизм, сюрреализм» (1936-37). Было представлено много работ Василия Кандинского. Американские художники уже знали мексиканскую фресковую живопись, восточное искусство, имели свои традиции пейзажной живописи. Знакомство с экспериментами европейцев привело к возникновению «абстрактного экспрессионизма» и других течений современного западного искусства. В числе первых начал искать новые методы в живописи в 1947 — 1951 гг. Джексон Поллок. Абстракционисты использовали на своих холстах новые материалы типа пластмассы, металлических и акриловых пигментов. Появился хэппенинг — «произведение», существующее как театральный спектакль. Хэппенинг (позднее очень на него похожий перформанс) состоит из самых разных, по видимости случайных действий, причём зрители вовлекаются в эти события как участники. Правда, все эти «случайности» происходят по заранее написанному сценарию и под руководством режиссёра. Чаще всего режиссёром является сам художник — автор такого «произведения». Возникли такие направления, как поп-арт, оп-арт, минимализм, концептуализм и проч.
  Поп-арт (от англ. сокращения слова “popular”, популярное, общедоступное искусство) — авангардистское направление в западном, прежде всего английском и американском, искусстве середины ХХ века. В нём странным образом соединились находки дадаистов и сюрреалистов, направленные творцами поп- арта на опровержение абстрактного искусства и возврат к реальности жизни. Первые произведения поп-арта были коллажами, то есть самыми неожиданными сочетаниями различных объектов, взятых из самой обыденной жизни. Художники создавали гибриды человека и кресла, телевизора и газовой плиты; к холсту прикрепляли рядом постельное бельё, металлический лом типа помятых автомобильных крыльев, вёдра, страницы комиксов и т.п. Объявлялось, что таким образом раскрывается «эстетическая ценность» вещей, созданных индустриальным способом. Некоторые художники выставляли увеличенные до гигантских размеров муляжи предметов типа пивной банки, тюбика губной помады и т. п. Добивались двусмысленности, противопоставления игры и реальности, искусственного и естественного. Среди художников этого направления наиболее известны Энди Уорхол, К. Олденбург, Р. Раушенберг и др.
  Оп-арт (от сокращения англ. слов «optical art», «оптическое») — одно из поздних направлений абстрактного искусства, вошло в моду в 1960-е годы прошлого века, когда прошёл повышенный интерес к поп- арту. Его основоположником считается В. Вазарелли.
  Оп-арт считал самым важным фактором в искусстве акт восприятия. Художники оп-арта говорили, что исследуют механизмы человеческого восприятия и влияние этих механизмов на нашу картину мира, включая возможность её искажения. Оп-арт стремился воздействовать на зрителя оптическим иллюзиями, которые создавались путём манипуляций формами и цветом. Он, подобно другим абстрактным стилям ХХ столетия (орфизм, конструктивизмом, супрематизм, футуризм), использовал абстрактные отношения форм, добиваясь ощущения движения и динамизма. Это движение исследовало потенциал и цветных образов, и чёрно-белых линейных конструкций. Оп-живописцы применяли простые повторяющиеся формы: параллельные линии, клетки шахматной доски, квадраты, вложенные друг в друга, концентрические круги и т.п. Для создания цветовой напряженности сопоставлялись дополнительные цвета равной интенсивности. Возникала иллюзия движения, так что глаз не мог достаточно долго задержаться на любой части композиции.
  Европейскими пионерами стиля был Джозеф Алберс и Виктор Вазарелли. Основными авторами оп­арта, наряду с Виктором Вазарелли, были Бриджит Рилей, Ричард Анушкевич, Лэрри Пунс и Джеффри Стил.
  Минимализм — стиль и движение в живописи и скульптуре, возникшие в Соединенных Штатах в 1950-ых и 60-ых. Минимализм является кульминацией редукционистских тенденций в современном искусстве, начавшихся в 1913 г. композицией российского живописца Казимира Малевича «Чёрный квадрат» и картинами голландского живописца Пита Мондриана (1920-е). Эти работы с их чистыми законченными линиями и недостатком нарративных отношений, бесспорно, минималистские, хотя они выросли из полностью различных теоретических структур. Цели и направленность минимализма отражают другие его названия: «системная живопись», «упрощенное искусство», «последовательное искусство» и т.п.
  Минимализм был задуман в значительной степени как оппозиция абстрактному экспрессионизму, движению, которое доминировало в 1950-е гг. Абстрактные экспрессионисты стремились выражать эмоциональный опыт непосредственно, через спонтанные методы живописи, типа наносимых случайно мазков или свободно набрызгиваемой краски. Предполагалось, что таким образом художественный результат определяется подсознанием художника. Подсознательное провозглашалось главным импульсом мотивации искусства и самой высокой инстанцией. Сторонники минимального искусства, напротив, интересовались логическими системами и универсальными физическими принципами (типа математических прогрессий или тяготения), а не индивидуальными чувствами и их выражением. Минималисты полагали, что форма абстрактной живописи была слишком личной, и утверждали, что произведение искусства не должно соотноситься ни с чем другим, кроме себя самого.
  Приверженцы минимализма пользовались не свободными мазками кисти, а твердыми, жёсткими, прямыми линиями индустриального чертежа. Они интересовались в первую очередь явным физическим присутствием художественных произведений, не осложнённых иллюзией или метафорой. Чтобы подчеркнуть этот принцип, они часто создавали работы очень больших размеров.
  Основными инициаторами минимализма были Карл Андре, Дональд Джадд, Сол Льюит и Роберт Моррис.
  Минималистские произведения включают в себя компоненты, не имеющие никакого эмоционального или эстетического значения. Минималистские картины и скульптуры состоят из простых геометрических форм, часто организованных в ряды «модулей» (стандартных единиц). В живописи ограничивалось до минимума использование формы и цвета. Так, Роберт Раушенберг написал серию картин только чёрной краской. Живопись «жёсткого контура» характеризуется большими, упрощёнными, обычно геометрическими формами на полностью плоской поверхности; точными, острыми как бритва контурами; обширными пятнами яркого, немодулированного цвета, нанесёнными незагрунтованный холст. Она отличается от других типов геометрической абстракции, отклоняя и лирическую, и математическую композицию, потому что даже в этой упрощенной области они — средство выражения личности художника. Минималистская живопись жёсткого контура — это анонимное построение простого объекта.
  Минималистская скульптура обычно создавалась из банальных индустриальных материалов типа пластмассы или бетона. Часто использовались объекты промышленного изготовления — ряды кирпичей или одинаковых коробок, расположенных так, чтобы просто подчеркнуть их конкретное физическое присутствие. Один из первых минималистов Александр Калдер ещё использовал в своих скульптурах органические формы, но позднее скульпторы применяли только кубы, сферы и лучи. Такие произведения не имеют целью что-то изобразить или передать какие-либо эмоции, они должны казаться просто самими собой.
  Скульптуры Джадда состоят из простых геометрических форм, организованных в повторяющиеся ряды (серии); от одной единицы к следующей и от ряда к ряду последовательно нарастают изменения. Большая часть его работ представляет линейные ряды кубов или прямоугольников, сделанных из металла и плексигласса, многие из которых частично покрашены автомобильной кузовной краской. Скульптуры Джадда подвешивались на стене или размещались непосредственно на полу: устранение опор считалось принципиальным для скульптуры минимализма, потому что это якобы обеспечивало более непосредственное взаимодействие между зрителем и скульптурой.
  Минимальное искусство проявилось и в музыке (композиции Эрика Сати, эстетика Джона Кейджа). Выступая против интеллектуально сложного и изощрённого стиля современной музыки, несколько композиторов начали сочинять в простом, буквальном стиле, создавая чрезвычайно простую и доступную музыку. Ла Монт Юнг, например, предлагал электронные «непрерывные частотные окружающие среды»: он генерировал несколько тонов и затем с помощью электроники поддерживал их, иногда в течение многих дней или недель. Янг немного добавил к этой структуре и фактически отказался от вариаций. Мортон Фелдман, подобно Янгу, пробовал устранить вариации. Его работы исследовали инновационные инструментальные тембры в медленных последовательностях несвязанных, мягких звуков. Другая группа композиторов — Филип Гласс, Стив Рич, Корнелиус Кардю и Фредерик Ржевский — находилась под влиянием музыки Индии, Бали и Западной Африки. Они использовали в своей очень вторичной музыке простую гармонию и мелодичные образы.
  Несмотря на все эти громкие, часто скандальные эксперименты, интерес к реализму и классическому искусству не исчезал. Ещё в 1929 г. итальянский писатель Альберто Моравиа опубликовал роман «Время безразличия», в котором обратился к проблемам морали, социальной и политические жизни. Роман был переведён на основные европейские языки. Он считается на Западе началом неореализма. После низвержения в 1943 г. фашистского режима появились романы Васко Пратолини, Доменико Реа и Итало Кальвино, сочувственно изображавшие тяжелое положение рабочего класса. Неореализм как стиль, имеющий некоторую политическую ориентированность, получил широкое международное признание благодаря вышедшим в течение 1940-х и после войны кинофильмам итальянских режиссёров Лукино Висконти («Одержимость», 1942; «Земля дрожит», 1948; «Рокко и его братья», 1960 и др.), Роберто Росселини («Рим — открытый город», 1945; «Пайза», 1947, «Генерал Делла Ровере») и Витторио Де Сика («Чистильщик обуви», 1946; «Похитители велосипедов», 1948; «Умберто Д.»,1952).
  Термин «концептуальное искусство» («концептуализм») появился около 1965 г. Концептуальное искусство (концептуализм) придаёт главное значение концепции художника, а не созданию уникального, постоянного, материального художественного объекта. Идея живописца в концептуализме могла бы быть выражена только как документально оформленные предложения неосуществленных и часто нереализуемых проектов, так что концептуализм подверг сомнению традиционное определение живописи как визуальной, конкретной художественной формы. В «перформансе» и «хеппенинге», которые используют методы, родственные театральным, сами художники становятся своего рода средой.
  Сол Льюитт, пионер и теоретик концептуального искусства, утверждал, что не все художественные идеи требуют принятия физической формы. В «концептуальное искусство» включены разнообразные формы письменной или визуальной документации, включая текстовые данные, написанные от руки тексты, напечатанные инструкции, диаграммы, рисунки, карты, фотографии, даже устную речь, разговоры. Другой основатель концептуального движения, Джозеф Козут (Joseph Kosuth), объявлял, что концептуальное искусство базируется непосредственно на исследовании природы искусства. Концептуализм подчёркивал использование языка и процессов мышления как таковых, он использовал факты в буквальном смысле.
  Льюитт предложил инструкции или практические рекомендации для создания рисунков, определяя типы линий длиной, кривизной, цветом и т.д. Сами эти инструкции и составили выставляемые и предлагаемые на продажу художественные произведения; рисунки стали только вторичным результатом оригинальной творческой концепции. Козут в 1965 г. выставил единичные объекты: отдельный стул, молоток и т.п., а также напечатанное на плакате словесное определение объекта рядом с его фотографией в натуральную величину.
  Другое исследование связи между искусством и языком осуществил в своём творчестве американский художник Лоренс Вейнер. Вейнер написал прямо на стенах галереи фразы о материальном состоянии объектов: о масштабе, положении, цвете и даже цене. Он считал, что таким образом производил искусство из языка. Для своего Номера 051 (1969, Музей Соломона Р. Гуггенхейма, Нью-Йорк) Вейнер напечатал на стене галереи слова «Основной объём материала стоимостью 1000 немецких марок, переданный из одной страны в другую». Вейнер настаивал, что фраза должна быть представлена рядом с упомянутым «материалом». Инструкции Вейнера преднамеренно открыты, так что в одной инсталляции они могли бы относиться к рулону ткани стоимостью 1000 немецких марок, а в другой — к груде кирпичей той же цены. Согласно концепции Вейнера, объект вообще не обязательно должен быть построен; слова могут быть просто произнесены, и тем самым объект воображён и понят.
  Концептуальное искусство возникло не «вдруг», его важные элементы появлялись ещё в начале ХХ столетия. Американский художник французского происхождения Марсель Дюшан, напомним, выставлял установленное вверх тормашками или наоборот одно и то же Велосипедное колесо в 1913 г., утверждая, что оно и другие обыденные объекты являются скульптурой, если художник объявляет, что они будут ими. Вскоре за колесом велосипеда Дюшан объявил произведениями искусства стойку для бутылок, лопату для снега и — наиболее скандальный случай — писсуар. Позиция Дюшана и других дадаистов была реанимирована в начале 1960-х международной группой художников, называвших себя «Флюксус» («Fluxus»). Работая под духовным руководством американского композитора Джона Кэйджа (John Cage), художники «Флюксуса» стремились разрушить барьеры между искусством и жизнью и позволить руководить их творчеством хаотичности и случаю. Другой важный предшественник концептуального искусства — минимализм.
  Концептуалисты пытались избавить искусство от всей так называемой объективности, а таким образом также и от коммерческой ценности. Их усилия просуществовали в самой чистой форме в течение всего нескольких лет. Но наследники концептуализма процветают. В 1970-х множество художников, включая американцев Барбару Крюгер (Barbara Kruger) и Дженни Холзера (Jenny Holzer) и немецкого художника Лотара Баумгартена, начали использовать в своём искусстве слова, чтобы исследовать визуальные и устные соглашения. Наследство концептуального искусства — вера, что выраженное в словах мышление может быть искусством.
  В начале 1960-х годов появился фотореализм. Так проявилось возвращение интереса к представительной (фигуративной) живописи и моды на неё. Фотореализм объединил фотографическую точность в передаче явлений с отсылкой к банальным объектам. Появился также и живописный реализм, представлявший впечатления и чувства, полученные при восприятии природы. Среди его главных представителей — скульптор Джордж Сигал и живописец Вэйн Тибо. Продолжали работать итальянские режиссёры, прославившиеся как основатели неореализма.
  Западное искусство 1970-х характеризовалось разнообразием: сосуществовали абстракция, предметно­изобразительная (фигуративная) живопись и скульптура и множество других концептуальных направлений. Перформанс и видеоискусство предложили новые пространства для выражения художественных интенций.
  Столь же разнообразно было и искусство 1980-х гг., хотя главные тенденции в основном сохраняли место классических традиций и реализма. Ведущие позиции сохраняла фигуративная живопись. Какое-то время был моден международный неоэкспрессионизм — эмоциональная живопись, которая использовала очень крупномасштабные холсты и эклектично смешанную стилистику. Снова возник интерес к инсталляции, изобретенной в 1960-е гг. как смесь сюрреализма и конструктивизма, хэппенинга и ряда моментов театрального действа. В отличие от живописи или скульптуры, которые могут быть перемещены с места на место неизменными, этот полиморфный жанр существует только в течение конкретной выставки. Своей недолговечностью инсталляция бросает вызов фундаментальному определению искусства как уникального и бесконечного процесса.
  Заметное место в художественной культуре ХХ века занимает архитектура. Она проектирует здания из индустриальных материалов — преимущественно стали, стекла и бетона, формируя простые геометрические объемы, свободно размещённые в пространстве. Такие здания начали появляться в 1920-е гг. в Германии, Нидерландах, СССР и Франции. На выставке 1932 года в Музее современного искусства в Нью-Йорке, названной «Современная архитектура», они были представлены как явления единого стиля. Общие черты этого стиля: главное внимание объёму, а не форме; асимметричная композиция; отказ от украшений. Новый стиль в архитектуре получил название «международный стиль». Важную роль в его возникновении и развитии сыграли немецкие архитекторы, связанные с так наз. «Баухазом» (der Bauhaus), Веймарской художественной школой. Наиболее известные представители «международного стиля» — Вальтер Гропиус и Людвиг Мис ван дер Роэ. Предшественниками «международного стиля» считают голландский неопластицизм (группа «Стиль») и советский конструктивизм (1918 г., скульптор Владимир Татлин с моделью памятника Третьему Интернационалу, где ряд стеклянных объемов вращался внутри спиральной стальной башни). Знамениты также швейцарский архитектор Карл Эдуард Джиннерет, более известный как Ле Корбюзье, и американец Фрэнк Ллойд Райт.
  Все вышеописанные процессы в западной художественной культуре происходили на фоне разрастающейся, становящейся всё более заметной, яркой и вездесущей массовой культуры (см. соответствующий раздел). Они взаимодействовали с ней, испытывая со стороны массовой культуры определённое влияние, и сами в некоторой степени формировали массовую культуру. Так, произведения авангардной живописи и скульптуры достаточно часто стали включаться в оформление интерьеров.

* * *

  Однако всё многообразие направлений, все поиски новых путей развития в художественной культуре не отменили значимости классического наследия в художественной культуре. Наряду с усилением массовой культуры, с авангардистскими и постмодернистскими экспериментами можно всё же говорить о существовании некоторого главного направления в художественной культуре. Оно сохраняет сформировавшееся в веках шедевры и ценности, обогащается за счёт новаторских поисков, не утрачивая своего главного качества. Никакие манифесты авангардистов не смогли изменить этого главного направления, и, по-видимому, оно сохранится на всё предвидимое будущее культуры.

Вопросы для самопроверки

  - Каковы основные тенденции развития культуры в Европе в ХХ веке?
  - В чём сущность научно-технической революции?
  - Какова связь научно-технической революции с промышленным переворотом начала Нового времени?
  - Как научно-техническая революция влияет на развитие культуры?
  - Вспомните основные авангардные течения ХХ века.
  - Каково место авангардных поисков в процессе развития художественной культуры?

 
© www.textb.net